Noticias de arte e historia

 
   
 

Ninguna sociedad democrática puede existir sin una prensa libre, independiente y plural.

Kofi Annan

 

No existe la libertad de prensa, tan sólo es una máscara de la libertad de empresa.

Arturo Jauretche

_____________________

*Patti Smith rinde homenaje con su música al "espíritu libre" de García Lorca - es.noticias.yahoo.com

Nueva York, 5 jun (EFE).- Un día como hoy hace 115 años nació en Granada Federico García Lorca, un "espíritu libre" que logró retratar a Nueva York "en todas sus facetas" según Patti Smith, quien ha querido rendirle homenaje con un concierto de cumpleaños en la ciudad que inspiró uno de sus más famosos poemarios.

"Poeta en Nueva York" es "un libro muy americano, muy libre, escrito por alguien que no tenía libertad en su propio país pero que supo ofrecer una visión muy especial" de esta ciudad, dijo la roquera, artista y poeta al inicio de las tres horas que duró el concierto en el Bowery Ballroom.

Ferviente admiradora del poeta español, la llamada "madrina del punk" quiso compartir con el público de la sala (que colgó el cartel de "no hay entradas") algunos de los poemas que componen ese libro, cuyo manuscrito original está expuesto por primera vez al público desde hace dos meses en la Biblioteca de Nueva York.

Para ello se valió de un sinfín de amigos que fueron desfilando por el escenario, desde caras tan conocidas como el poeta y artista John Giorno hasta su amiga de la infancia o un joven que conoció en una estación de metro, Adam Nichols, quien se encargó de leer el primer poema, "Vaca".

"Estos poemas son una ventana a la libertad", aseguró Smith, quien recordó que, tras su estancia en Nueva York, García Lorca volvió a su Granada natal y siguió luchando por esa libertad hasta que fue asesinado el 19 de agosto de 1936, en plena Guerra Civil.

Sin perder su espíritu rebelde y su aspecto de joven contestataria pese a sus 66 años, la cantante recordó que Lorca murió defendiendo lo mismo por lo que las Pussy Riots fueron encarceladas en Rusia o son reprimidos hoy los jóvenes en Turquía, por lo que hizo un llamado a "amar" la libertad en su país.

Al escenario del Bowery Ballroom para recitar el poema también se subió la sobrina del poeta español, Laura García Lorca, ("que no solamente tiene su misma sangre, sino también sus ojos", según Smith"), quien recitó tanto en inglés como español el breve poema "A Margarita".

Precisamente a Laura García Lorca y al propio poeta y dramaturgo español dedicó Smith la primera canción de la noche, "Wing", en la que habla de ser "un ala en el cielo azul / planeando sobre el océano / planeando sobre España / y era libre / no necesitaba a nadie / y era bello".

Si bien la noche estuvo cargada de versos, tanto los de Lorca y su "Poeta en Nueva York" como algunos compuestos especialmente para la ocasión, como los de Janet Hamill, la rockera supo quitarle el sabor de recital con bromas continuas, en una suerte de "stand up comedy" que mantuvo metido al público en todo momento.

Así vinieron, no sin antes un intermedio para "refrescarse", míticas canciones de la cantautora como "April Fool" o "Wild leaves", para finalmente cerrar con "People Have The Power", antes de cantar el "cumpleaños feliz" a García Lorca y concluir con un poema propio.

No es la primera vez que Patti Smith rinde tributo a García Lorca. En 2010 ofreció un emotivo concierto en la casa-museo del poeta en Granada y precisamente ayer entonó dos canciones en la Biblioteca Pública de Nueva York coincidiendo con la muestra que alberga el manuscrito de "Poeta en Nueva York".
Inaugurada hace dos meses, la exposición supuso el pistoletazo de salida de una larga serie de eventos, entre los que se encuentra el concierto de la "madrina del punk", con los que esta ciudad ha querido homenajear al autor que la convirtió en protagonista de uno de los más famosos poemarios de la literatura española.
Teresa de Miguel
 

*La Luz de las Imágenes recupera obras de arte de los siglos XV al XIX de More - LA VERDAD.ES

Agencia EFE
Valencia, 28 oct (EFE).- La Luz de las Imágenes restaurará un conjunto de obras de arte, entre pinturas y documentos, pertenecientes a la iglesia arciprestal de Santa María de Morella, de cara a la próxima exposición que prepara esta institución en el Maestrazgo de Castellón para finales del próximo año.

Según han informado fuentes de la Generalitat, los comisarios de la muestra, Josep Alanyà y Víctor Marco, han seleccionado una serie de piezas de valor artístico y documental pertenecientes al archivo y a los fondos de la citada parroquia con el fin de que sean recuperadas en el Centro de Conservación de Bienes Muebles de La Luz de las Imágenes, situado en Bétera (Valencia).

Entre las obras se encuentran algunos documentos de gran valor histórico como una Bula del Papa Benedicto XIII, el Papa Luna, fechada en el año 1414, o la Bula de Sixto IV, del año 1478, que presenta una suntuosa decoración ornamental.

En cuanto a las pinturas destaca una sarga sobre la Natividad que sirvió para cubrir la parte frontal del cuerpo inferior del órgano de la iglesia arciprestal.

Según el historiador Víctor Marco, el hecho de que se conozca la fecha de construcción del instrumento barroco de Santa María, realizado por Francisco Turull entre 1717 y 1724, permite situar la ejecución de la pintura en ese mismo periodo.


*La obra de Artemisia Gentileschi llega a Argentina

La obra de la artista barroca italiana una pintora de heroínas del siglo XVII, llega como parte de la exposición Caravaggio y sus seguidores

La obra de la artista barroca italiana Artemisia Gentileschi, una "pintora de heroínas" del siglo XVII, llega por primera vez a Buenos Aires como parte de la exposición "Caravaggio y sus seguidores" .

"Magdalena desvanecida" , de Gentileschi (1593-1653) , es la única obra pintada por una mujer que forma parte de la exposición del genio italiano del barroco y de sus seguidores, que se exhibe en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Artemisia Gentileschi fue una artista de "grandes cualidades y calidad pictórica" que, en estos últimos años, "ha cobrado aún más notoriedad por el hecho de que fue revalorizada por movimientos feministas" , explica Ángel Navarro, profesor de Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires.

Artemisia era hija del pintor Orazio Gentileschi, uno de los artistas conocidos como los "caravaggistas" por ser seguidores de la escuela de Michelangelo Merisi de Caravaggio (1571-1610) , protagonista de la muestra en la galería porteña.

Esta pintora, que logró un reconocimiento en su oficio impensable para una mujer en su época, supo "entender muy bien" la técnica del maestro barroco, especialmente el uso del claroscuro, el color y ciertos efectos dramáticos vinculados a la luz y a las sombras, según Navarro.

Además de su talento, formado gracias al estímulo de su padre, con quien viajó durante toda su vida, en Artemisia también destacan los temas que decidió tratar en su pintura, influidos por sus experiencias vitales.

"Hay cuestiones muy interesantes que se dan en los temas que ella trató que tienen que ver con mujeres victoriosas o muy importantes, mujeres heroínas, como el caso del lienzo 'Judit decapitando a Holofernes', en el que el acto heroico era matar a un hombre" , agrega Navarro, una escena que también fue pintada por Caravaggio.

Artemisia violada por el pintor Agostino Tassi, quien finalmente fue encarcelado tras un juicio.
"Hay quienes dicen que fue algo consentido, otros que se habían producido repetidas violaciones. Tassi es encarcelado y Artemisia sigue viviendo con su padre, que fue un pintor viajero y estuvo en distintos lugares, hasta que muere y ella se establece en Nápoles" , explica Navarro.

Pese a su historia, el experto argentino descarta que las "mujeres heroínas" de Artemisia hayan sido fruto de esta experiencia dado que en su época la mayoría de pintores realizaban obras por encargo de terceros.

En la exposición "Caravaggio y sus seguidores" la obra de Gentileschi que viajó a Buenos Aires muestra a María Magdalena, "uno de los pocos temas en el siglo XVII donde se acepta el desnudo" , apunta Navarro.

Esta "Magdalena desvanecida" de Artemisia se conecta "directamente" , según el investigador, con una "Magdalena en éxtasis" que Caravaggio pintó y que se corresponde directamente con el cuadro de la pintora italiana por su postura.

"Tenía que suceder algo muy especial para que una mujer se dedicara a la pintura de forma profesional. En el caso de Artemisia se facilitó porque vivió con su padre que era artista" , concluye Navarro.

Esta obra de Gentilleschi, junto a las de Caravaggio y el resto de sus seguidores, se podrán ver en Buenos Aires hasta el 15 de diciembre.

*'El joven Murillo', muestra más visitada de la historia del Bellas Artes de Sevilla - EUROPAPRESS.ES

A partir del 30 de junio el Museo expondrá las 15 tablas del retablo mayor de la Iglesia de Santa Ana, obra del artista Pedro de Campaña
SEVILLA, 31 May. (EUROPA PRESS) -

La exposición 'El joven Murillo', recién clausurada, se ha convertido en la muestra "más visitada" de la historia del Museo de Bellas Artes de Sevilla, con un total de 165.157 visitantes. Además, en el mes de mayo se batieron todos los récords con 56.225 visitantes, mientras que en febrero --la muestra se abrió el día 20-- se alcanzaron los 16.400, el marzo los 50.799 y el abril se llegó a las 50.799 visitas.

En rueda de prensa, el delegado provincial de la Consejería de Cultura en Sevilla, Bernardo Bueno, afirmó que esta cifra, a la que calificó de "muy importante" tanto para el Museo como para la organización, "exige quebrarnos más la cabeza para captar el interés de las próximas exposiciones". Además, destacó la "complejidad" organizativa de un proyecto como éste, que ha requerido cuatro años y medio de preparación y el trabajo de más de 200 personas, porque "hay que quedar bien con todos los museos que prestan los cuadros, y garantizarles las mejores condiciones para el traslado de las obras".

Al hilo de lo anterior, Bueno aprovechó la ocasión para "felicitar" a los comisarios de esta coproducción del Museo de Bellas Artes de Sevilla y el de Bilbao, Alfonso Pérez Sánchez y Benito Navarrete, que "son dos grandes conocedores de Murillo y han llevado a cabo un largo proceso de investigación para poner en pie esta exposición". Asimismo, agradeció el trabajo del personal técnico del Museo del que dijo "está muy cualificado".

Por su parte, el director del Museo de Bellas Artes de Sevilla, Antonio Álvarez, comenzó su intervención reconociendo la labor de los medios para que la exposición haya alcanzado este "éxito", y puso de manifiesto su "satisfacción" por haber ofrecido "garantías a los museos de tres continentes para cedernos sus obras". La muestra ha reunido 42 obras de Murillo procedentes de todo el mundo, a las que se han sumado una veintena propiedad del Museo.

Además, el director del Bellas Artes también hizo un balance "importante" en el desarrollo de investigación, e informó de la realización de un trabajo científico sobre técnicas de Murillo, que "ha permitido conocer mejor la obra juvenil del pintor sevillano", porque a pesar de tratarse de unos años cruciales para la producción del pintor, esta primera etapa era, hasta este momento, la menos conocida de su trayectoria, "por lo que ha sido necesario estudiarla en profundidad".

También quiso resaltar la "parafernalia de información a todos los niveles con la que ha contado esta exposición", que se ha acompañado de un "magnífico" catálogo, audio-guías gratuitas, carteles de cada cuadro con la información ampliada, etcétera, porque "nuestra intención es ofrecer productos de calidad para la formación y el disfrute del público".

Por otra parte, y sobre los proyectos futuros del Museo, el delegado de Cultura informó que "estamos trabajando en el programa para lo que queda de 2010 y para los próximos años", aunque "estamos a la espera de que la Consejería de Cultura ajuste los presupuestos", un ajuste que "aún no se sabe cuándo se conocerá", dijo Bueno.

"En la medida en que conozcamos los presupuestos los productos estarán aquí, pero el listón de calidad no va a bajar y además tenemos la esperanza de poder mantener el programa del Museo en cuanto a cantidad", apuntó, y añadió que "se están buscando también patrocinio privados" porque a Cajasol --patrocinadora de 'El joven Murillo'-- "la tenemos muy ordeñada".

No obstante, y como proyecto más inmediato, Antonio Álvarez informó de que el próximo 30 de junio el consejero de Cultura, Paulino Plata, presentará la restauración de las 15 tablas del retablo mayor de la Iglesia de Santa Ana, obra del artista flamenco Pedro de Campaña, y que se expondrán en el Bellas Artes hasta el 15 de octubre para después ser devueltas a este templo de Triana.

EL CONVENIO "SIGUE SIN FECHA"

Por otra parte, y sobre la firma del convenio para la restauración y ampliación del Museo de Bellas Artes que se tiene que llevar a cabo con el Ministerio de Cultura --titular de la pinacoteca-- Bueno dijo que "sigue sin haber fecha para la firma, aunque esperamos que sea pronto, porque es un proyecto necesario para poder llevar a cabo los proyectos de futuro del Museo y el proyecto cultural de esta ciudad".

"El consejero de Cultura, que desde el primer momento se interesó por este proyecto, está en contacto permanente con la ministra de Cultura, Ángeles González Sinde-- para concretar la fecha, porque el compromiso es firme, aunque en la medida en que los presupuestos tengan que ajustarse, todos nos tendremos que ajustar", concluyó.

 

*El arte y las ciencias entran en diálogo en el Museo Arqueológico - LAVERDAD.ES

Cuadros, máquinas de dibujar, talleres didácticos y conferencias mostrarán esta relación en la exposición 'Perspectiva, Ciencia y Magia de la Representación'

La integración entre el arte y las ciencias, sus relaciones históricas y vigentes, así como su repercusión social son las cuestiones que analiza la exposición Perspectiva, Ciencia y Magia de las Representaciones, inaugurada ayer en el Museo Arqueológico de Murcia

Hasta el 10 de enero, los ciudadanos podrán disfrutar de esta iniciativa con un marcado carácter lúdico y experimental. Una propuesta que se compone de la propia exposición, de talleres didácticos, de una jornada de conferencias y de la realización de un trabajo de perspectiva en directo -anamorfismo-, realizado por el artista argentino Eduardo Relero.

Esta actividad forman parte del programa Ciencia, Cultura y Sociedad, del Plan de Ciencia y Tecnología, y nace de la colaboración de la Fundación Séneca con el grupo de investigación de la profesora Inmaculada López Vílchez, del Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada, y en cuyo equipo participaban investigadores de toda España, entre ellos la murciana María Gracia Ruiz Llamas, de la Universidad de Murcia.

Perspectiva, Ciencia y Magia de la representación muestra al público la notable relación entre arte y ciencia a lo largo de la historia, y revela cómo los caminos recorridos por los artistas desde el Renacimiento abrieron nuevas sendas para la investigación en Geometría, Matemáticas, Fisiología de la visión y Óptica, hasta el nacimiento de la moderna fotografía, siguiendo como hilo conductor la denominada ciencia del arte, la perspectiva.

De modo complementario, la muestra del Museo Arqueológico explica cómo los artistas asimilaron los avances científicos de sus respectivos entornos y los adaptaron a la producción de obras de arte.

Gracias a una serie de aparatos, construidos por la Universidad de Granada siguiendo los modelos proporcionados por los artistas a través de documentos bibliográficos y pictóricos (siglos XVI-XIX), la exposición ofrece un recorrido didáctico por seis máquinas para dibujar y tres cámaras (oscuras, claras y portátiles), con la que el visitante podrá ensayar el ojo del artista y sorprenderse con el resultado del boceto.

Entre las máquinas incluidas en la muestra destaca la de Velo de Alberti y la de dibujar con vidrio de Durero. Éstos son instrumentos para aplicar la geometría y el dibujo a través de un punto visual movible, que se desliza en un plano, y permite solucionar el problema básico de la perspectiva: llevar lo tridimensional al plano.
Asimismo, la muestra también cuenta con cosmoramas y anamorfosis. El cosmorama es una caja con una escena pintada dentro y, vista de frente, el ojo la capta de manera unidimensional. Sólo a través de las mirillas que están a los lados, el ojo es capaz de percibir la tridimensionalidad. Por su parte, las anamorfosis son imágenes irreconocibles a simple vista que sólo mediante el uso de mirillas, espejos o cilindros, o simplemente por un ángulo determinado de visión, es posible reconstruir la imagen tridimensional.

Dentro de esta categoría, Perspectiva, Ciencia y Magia de la Representación cuenta con una reproducción de La Medusa de Caravaggio, en anamorfosis cónica; el clásico cuadro de Los embajadores de Hans Holbein, que es una anamorfosis plana; y la pintura del dibujante argentino Eduardo Relero, en el vestíbulo.

Como complemento, se realizarán talleres diarios de actividades didácticas para que los escolares asimilen la relación entre arte y ciencia, entre semanas para colegios y en fin de semana abierto al público.

*Proyectan Museo de Arte e Historia de Guanajuato - Por: Martín Diego - CORREO-GTO

Con la finalidad de albergar en el Museo de Arte e Historia de Guanajuato información y un acervo concerniente a la minería, ligada a la fundación del estado desde la época Virreinal a la fecha, el Forum Cultural Guanajuato y la Coordinación General de Minas de la Secretaría de Economía del gobierno de la República, realizaron un primer acercamiento para detallar el proyecto.

Así lo manifestó el director del Forum Luis Serrano Espinoza quien detalló la importancia de ese acercamiento toda vez que "entre las salas que tendrá el Museo de Arte e Historia de Guanajuato, se albergará la historia de la minería en la entidad.

Publicidad

En ese aspecto, dijo, "en el caso de la minería tenemos algunas piezas importantes de acervo y el coordinador (Norberto Roque Díaz de León) viene a conocer el proyecto y a sentar las bases de un convenio de colaboración donde la coordinación no sólo aporte información veráz del estado de la minería actual y en el curso histórico y la posibilidad de tener piezas que puedan aumentar nuestro acervo museográfico".

Así que este día se tuvo el primer acercamiento para esa finalidad y, más tarde, el presidente del Forum Juan Antonio García Ramírez, adelantó que un cuadro al óleo de la autoría de José Chávez Morado y que hoy se encuentra en la oficina del director del Fideicomiso del Fondo Minero (Fifomi), será dado en comodato al gobierno del estado "para que lo puedan apreciar todos y no sólo un funcionario".

El acercamiento que se dio esta tarde, sentará las bases de colaboración en cuanto a información y cultura de la minería en la entidad.

*Críticamente feministas: un libro y dos compiladoras - ELUNIVERSAL

Crítica feminista en la teoría e historia del arte, la espléndida compilación reunida por Karen Cordero e Inda Sáenz, acaba de presentarse en la 39 Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería.

Este libro publicado por la Universidad Iberoamericana recorre las principales ideas que el feminismo ha aportado al arte, empezando por el clásico ¿por qué no han existido grandes artistas mujeres?, escrito por Linda Nocklin en 1971 y otros de reconocidas autoras como Griselda Pollock y Whitney Chadwick.

La mayoría de los textos en esta selección ya los conocía de leídas o de oídas: es sorprendente cuántas veces ni siquiera tenemos que leer algo para que repercuta en nuestra vida. Son de esos textos fundacionales cuyos conceptos flotan en el ambiente y se reflejan en escritos, obras de arte e incluso actitudes.

Aunque no comulgo con todas las ideas en esta publicación, son como viejas amigas que me han acompañado toda la vida. Hoy, este libro me permite disfrutarlas juntas para compararlas, criticarlas y ver qué frutos han dado y si han envejecido bien. Pero más importante que reevaluar el pasado, esta compilación las reactiva para que sigan dando lata.

Los artículos reunidos en este libro han influenciado la forma en la que concebimos el arte. Si bien se enfoca hacia las mujeres, plantea preguntas básicas que nos conciernen a todos como ¿quién, por qué y para qué arte? o ¿qué ideas reflejan y promueven las obras de arte y cuál es su relación con el poder?

El material en esta publicación no es nuevo, pero tenerlo junto y traducido al español es un acto importante que muestra la mala intención de las compiladoras de sacudir —y si hace falta trapear— a un medio artístico mexicano al que le han llegado las ideas de la crítica feminista mal masticadas y peor digeridas. Esta publicación abre la posibilidad de que el debate se afiance, crezca y se diversifique.

Ahora, cada vez que una artista joven me pregunte si su obra es feminista, lo cual me sucede con inusitada frecuencia, se lo recomendaré para que entienda de dónde vienen las ideas que pescó inconscientemente o para que encuentre herramientas para refutar a los que creen ver ciertas características en la obra de las artistas que no existen. Lo mismo haré con quienes siguen organizando exposiciones de mujeres artistas basadas exclusivamente en una cuestión genital, ignorando las ideas que este libro aborda tan meticulosamente. Ahora sí ya no hay excusa.

En una buena compilación, como esta, resulta evidente que el todo es más que la suma de sus partes. En este caso, un ejercicio académico también es un atinado acto de militancia política. Las autoras compilaron este libro porque saben que encaminar el pensamiento es un acto de poder y empoderamiento que transforma la realidad.

Quizá emulando la necesidad de decir las cosas como son, característica de los textos de este libro, sus compiladoras incluyeron la peligrosa palabra “feminista” en el título del libro, arriesgándose a enfrentar los prejuicios que la rodean. Todavía hay muchos que creen que feminismo equivale a odio a los hombres. Aunque este no es un libro unidireccional, sino uno que da cuenta de los distintos enfoques representativos de la riqueza de la discusión sobre el tema desde hace casi 40 años, al usar la palabra feminista y no maquillarla con el término “género”, se arriesgaron a perder clientes. Ni eso las detuvo.

Afortunadamente, ni siquiera la famosa palabrita ha empañado el entusiasmo con el que se está recibiendo el libro, que se vende como pan caliente.

*Las diferentes caras del retrato en la historia del arte
Licenciado en Historia del Arte, José Félix Martos mostró el papel del retrato desde el Antiguo Egipto hasta las vanguardias - GUADALAJARA

El retrato en el mundo del arte, abarca desde las primeras manifestaciones artísticas en la antigüedad hasta las expresiones pictóricas y escultóricas más vanguardistas y es que el rostro humano ha servido en incontables ocasiones como motivo a retratar. Sobre las diferentes formas en que ha estado presente a lo largo de la historia del arte, ofreció una conferencia en la Biblioteca Pública de Dávalos, José Félix Martos, licenciado en Historia del Arte y profesor en el Instituto Buero Vallejo de Guadalajara, quién recorrió las diferentes etapas y técnicas artísticas a través de algunas de las obras más representativas.

Del retrato funerario al cubista

Una de las primeras funciones que desempeñó el retrato a lo largo de la historia del arte fue el funerario. Su fin era recordar a las personas fallecidas. Existen constantes ejemplos de ello desde la época del Antiguo Egipto, pero fue en los primeros momentos de la fotografía cuando adquirió su aspecto más notable, ya que uno de sus primeros usos fue el de “inmortalizar” a los muertos.

Todos los grandes personajes de la historia han sido retratados. Las pinturas cortesanas sirvieron para magnificar a los monarcas e incluso para que dos futuros contrayentes, en los matrimonios concertados entre diferentes casas reales, se vieran por primera vez, aunque fuese por medio de una pintura.

Muchos artistas no resistieron la tentación de retratarse así mismos. Tal es el caso de Durero, Rembrant o Picasso. El primero arrastrado por el hedonismo, el último en un ejercicio de retrospectiva. Los retratos cubistas del malagueño universal no buscaban la verosimilitud física si no la moral. Ya se conoce que la cara es el espejo del alma.

*Se cumple hoy el centenario de Balthus, “eremita de la luz” Arribarán a México la novela Cumbres borrascosas y el libro Mitsou, ilustrados por el artista. LAJORNADA-MX

Su obra fue definida por el poeta René Char como “el verbo en el tesoro del silencio”

Muchos críticos intentaron, sin éxito, descifrar la “rareza” de sus lienzos y dibujos - Mónica Mateos-Vega

Dos de las ilustraciones creadas por Balthus para el libro Mitsou, que el artista francés, nacido el 29 de febrero de 1908, hizo al alimón con el poeta checo Rainer Maria Rilke, en el verano de 1921, reproducidas aquí con la autorización de Ediciones Artemisa, de España

Dibujos de Balthus, realizados por el artista en 1933, para ilustrar una edición de la novela Cumbres borrascosas, de Emily Brontë, la cual es la primera versión en español que las incluye y circulará en México publicada por el sello independiente Artemisa, de España

Dos joyas literarias están por arribar a México: una edición de la novela Cumbres borrascosas, de Emily Brontë, que reproduce, por vez primera en un título en español, las ilustraciones que para esa obra realizó Balthus en 1933, y Mitsou, el libro que el gran pintor francés hizo cuando tenía 12 años de edad, en colaboración con el poeta Rainer Maria Rilke.

Editadas por la casa independiente Artemisa, cuya sede se encuentra en las islas Canarias, en España, ambas publicaciones enmarcan la celebración por el centenario del natalicio del artista (29 de febrero), quien concibió la pintura como una música interior.

“Hoy día se desconocen las virtudes milenarias del silencio y el trabajo, del diálogo secreto y profundo con lo invisible, que para mí también es lo divino, y esa reconstrucción aparente en el lienzo que viene de muy lejos, de un lugar muy antiguo”, escribió Balthus en sus memorias.

Ocho de las ilustraciones que realizó para Cumbres borrascosas fueron publicadas por primera vez dos años más tarde, en el número siete de la revista surrealista Minotauro. En total son 15 dibujos, además de 11 estudios preparatorios. Si bien Balthus no ilustró todos los capítulos de la novela, puede decirse que en estos trazos se encuentra el germen de gran parte de la producción madura del artista.

La infancia como estado esencial

Lo mismo sucede en Mitsou, obra que realizó al alimón con Rilke en el verano de 1921. El libro narra la historia de un gato perdido, ilustrada por el pintor, con prefacio del poeta, que era amante de la madre de Balthus.

La editorial Artemisa, coordinada por Marian Montesdeoca y Ulises Ramos, lanzó en 2007 ese título inédito hasta entonces en España, en edición de Juan Andrés García Román, enriquecido con la correspondencia que Rilke dirigió a Balthus, en la cual le aconsejaba, entre otros temas, cómo celebrar sus cumpleaños: “Hace muchos años conocí a un escritor inglés, Mr. Blackwood, que en una de sus novelas aventura una hipótesis muy seductora: pretende que en la medianoche se produce siempre una hendidura minúscula entre el día que acaba y el que comienza y que, si una persona hábil se las arreglara para deslizarse dentro de esa hendidura, saldría del tiempo y se encontraría en un reino independiente de todas las mudanzas que nosotros soportamos; en ese lugar se encuentran reunidas todas las cosas que hemos perdido. (Mitsou, por ejemplo, los muñecos rotos de los niños, etcétera, etcétera.)

“Su cumpleaños se encuentra allí escondido y sale a la luz... ¡sólo cada cuatro años! (Imagino una exposición de cumpleaños en la que el cumpleaños de otros se comparase con el suyo, siendo este último tratado con esmero y sacado del almacén sólo tras largos periodos.) Mr. Blackwood, si no me equivoco, da a esta hendidura nocturna y secreta el nombre de ‘Crac’: ahora bien, por no disgustar a su querida madre y a Pierre, le aconsejo no desaparecer en ella, sino contemplar tal lugar tan sólo durante el sueño.

“Su aniversario –estoy segu-ro– se encuentra muy cerca de allí, lo encontraréis a la primera, y es posible que tenga la oportunidad de entrever algunos otros esplendores más.

“Al despertar el primero de marzo se encontrará rodeado de aquellos admirables y misteriosos recuerdos y, en lugar de que sea dada una fiesta para usted, será usted mismo generosamente quien la dé a los otros, al relatarles sus turbadoras impresiones y al describirles la naturaleza maravillosa de su raro cumpleaños, ausente, pero intacto y de la mejor calidad.”

Las 40 viñetas que diseñó el jovencito Balthus son “de una originalidad y una actualidad asombrosas, mientras Rilke escribió un breve pero intensísimo prefacio en que pondría palabra a la historia figurativa y plástica del pintor.

“Mitsou puede parecer infantil, tal vez hasta naïf, pero hay que tener presente la importancia que la idea de la infancia tiene en la obra de ambos genios: la infancia como ‘estadio esencial’”, señalan los editores.

Admirado por Breton y Picasso

Balthasar Klossowski de Rola nació un 29 de febrero de 1908. Reducido a “pintor erótico” por quienes conocen superficialmente su obra, Balthus fue hijo de Erich Klossowski, un destacado historiador de arte, y de Elisabeth Dorothea Spiro (conocida como Baladine Klossowska), integrante de la elite cultural de París. El hermano mayor del pintor, Pierre Klossowski, fue un filósofo influenciado por los escritos del Marqués de Sade.

Balthus empezó a pintar siendo adolescente y su trabajo fue admirado por escritores como André Breton, Albert Camus y por colegas como Pablo Picasso. Su círculo de amigos en París incluía al novelista Pierre-Jean Jouve, los fotógrafos Josef Breitenbach y Man Ray, el dramaturgo Antonin Artaud, así como los pintores André Derain, Joan Miró y Alberto Giacometti, con quienes protagonizó enriquecedores intercambios de ideas.

Pasó la mayor parte de su vida en Francia. En 1953 se mudó al castillo de Chassy, casa veraniega donde maduró su estilo y vieron la luz algunas de sus obras maestras, como El cuarto, influenciada por las novelas de su hermano, y La calle, pintura que hoy forma parte del acervo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1964 se instaló en Roma, donde fue nombrado presidente de la Academia Francesa en esa ciudad. Ahí trabó amistad con el realizador de cine Federico Fellini y con el pintor Renato Guttuso.

Entre 1961 y 1978 fue consejero especial de André Malraux, entonces ministro de Cultura en el gobierno de Charles de Gaulle.

De su primer matrimonio, con la suiza Antoinette von Wattenwyl, Balthus procreó dos hijos, Stachou y Thadée. En 1967 contrajo segundas nupcias con una japonesa 35 años menor que él e hija de una familia de samuráis.

En 1977 se trasladó a Rossinière, Suiza, donde radicó hasta su muerte (ocurrida el 18 de febrero de 2001), con su segunda esposa, Setsuko, también pintora.

Balthus fue el único artista que en vida tuvo obras en el acervo del Museo del Lou-vre, la mayoría provenientes de la colección privada de Picasso, donada a ese recinto.

Sus pocas pinturas vendidas alcanzaron los precios más altos para artistas vivos: hasta 2 millones de dólares en subasta. El resto forma parte de diversos museos de arte en Estados Unidos, Francia, Suiza, Gran Bretaña y Japón.

El Museo de Arte Moderno de la ciudad de México exhibió hace algunos años un estudio al óleo para su obra El sueño.

En 2003 Setsuko echó a andar la Fundación Balthus, con sede en Suiza, que se ha encargado, desde entonces, de promover la obra del artista por el mundo.

La hipocresía de Estados Unidos

Balthus tachaba a Estados Unidos de hipócrita, al igual que a los críticos por opinar erróneamente acerca de sus pinturas de niñas (en nuestro país, a la hora de su muerte, se le asoció de manera irreflexiva con Lewis Carroll).

“Realmente no entiendo la incapacidad de la gente para captar las diferencias esenciales entre erotismo o sexualidad y pornografía. Por ejemplo, la industria publicitaria es pornográfica, especialmente la de Estados Unidos, donde se ve a una jovencita poniéndose un producto de belleza en la piel como si tuviera un orgasmo”, explicaba Balthus.

“Inmoral”, “escandaloso” y “perverso” fueron algunos de los adjetivos de quienes intentaron, sin éxito, descifrar la “rareza” en la obra de Balthus.

El diario The New York Times recordó, con motivo de la muerte del pintor, que artistas serios como Bruce Nauman, Wayne Thiebaud y Roy Lichtenstein “apreciaron la delicada elegancia de la obra de Balthus, más enigmática que explícita”.

El “legado estadunidense” de Balthus, añadía el crítico de arte Michael Kimmelman, “es una ilustración de nuestro propio puritanismo e hipocresía cultural en los que estamos envueltos. Como muchos europeos, Balthus encontró ridícula la creencia estadunidense de que el arte es una ocupación moral”.

Preferencia por el anonimato

Admirado por las escenografías que realizó en Francia para obras de Shakespeare, Camus y la ópera de Mozart Cosi Fan Tutte, Balthus escribió en sus memorias: “pintar es salir de ti mismo, olvidarte, preferir el anonimato y correr el riesgo, a veces, de no estar de acuerdo con tu siglo y con los tuyos”.

Animado por ese espíritu, produjo unos 300 lienzos e innumerables dibujos, obra definida por el poeta René Char como “el verbo en el tesoro del silencio”.

En Balthus, afirmaba su amigo Fellini, el tiempo es inalterable. Quizá por ello al pintor le gustaba jugar con su edad: nació en año bisiesto, justo el 29 de febrero, por lo cual afirmaba, poco antes de morir, ser veinteañero, pues sólo cada cuatrienio sumaba un año a su cuerpo y mil a su espíritu: “nací en el siglo XX, pero pertenezco mucho más al XIX”, decía.

Hoy, a un siglo de su llegada a este mundo, recordamos al “gran señor luciferino”, el “eremita de la luz”, quien hasta el último día cumplió su palabra: “Si me retirara de la pintura, sería como retirarme de la vida, del esplendor único, de la belleza a la que Dios me ha enviado”.

*Museo Nacional de Arqueología y Etnología - PRENSALIBRE - Por lucía herrera

Por ser cuna de la civilización maya, Guatemala, tiene una colección de arte pre-hispánico invaluable. Parte de ésta se muestra y resguarda en el Museo Nacional de Arqueología y Etnología, Munae, que en sus tres mil metros cuadrados de exhibición y mil 500 de conservación y restauración cuenta con una colección de 20 mil piezas arqueológicas y 5 mil etnológicas, lo que lo convierte en uno de los mejores de la región.

En el país, los museos surgieron en 1796 bajo el nombre de Gabinete de historia natural, que funcionó hasta 1801. En 1831 se emitió un decreto gubernativo para crear un museo de ciencias y arte, pero fue hasta 1866 que se inauguró el primero conocido como Museo de la Sociedad Económica de Amigos del País, ubicado donde hoy se encuentra el Congreso de la República. Este funcionó hasta 1881.

Luego, el 30 de junio de 1898, se ordenó la creación oficial del Munae para solemnizar el XXVII aniversario de la Revolución Liberal de 1871. Las instalaciones se ubicaban en el Palacio de la Reforma, el cual fue destruido en los terremotos de 1917 y 1918. El museo volvió a funcionar de 1921 a 1926 en la antigua iglesia El Calvario, y en 1931 se trasladó al Salón de Té, del Parque Zoológico La Aurora.

Finalmente, en 1946 se trasladó al Salón 5 de la finca La Aurora, donde se encuentra actualmente, en terrenos donde se realizaba la Feria de Noviembre en honor del presidente Jorge Ubico. Entre 1946 y 1948 las instalaciones fueron arregladas para las exhibiciones y abrió al público en septiembre de 1948.

Después del terremoto de 1976 se elaboró el guión museológico a partir de la remodelación de las vitrinas de exposición, las cuales permanecieron hasta 2006 en el área arqueológica y actualmente en el área etnológica.

Cada año el museo recibe a 120 mil personas aproximadamente, de las cuales el 60 por ciento son estudiantes y el resto extranjeros y guatemaltecos.

Las exhibiciones

El museo cuenta con una amplia colección. “Tenemos todo el material que sale de las investigaciones y de los proyectos arqueológicos”, dice la directora, Claudia Monzón.

“Cuando encuentran una nueva pieza, primero la investigan por dos o tres años. Al terminar, entregan el material al Ministerio de Cultura y Deportes, y ellos nos lo entregan a través del Instituto de Antropología e Historia. La colección etnológica vino en su mayoría de lo que era el Museo de Bellas Artes”, agrega.

El área de exhibición es de tres mil metros cuadrados. En ella están divididos cronológicamente los tres períodos de la civilización maya: Pre-clásico, Clásico y Posclásico.

“Desde que remodelamos la parte arqueológica en 2006 escogimos el color amarillo como un hilo conductor en todo el museo. Luego, elegimos el azul para el período Pre-clásico, rojo para el Clásico y verde para el Posclásico”, comenta Monzón.

En cada período se muestra a través de diversas piezas la forma en que vivían los mayas y los trabajos específicos que hacían. “Proponemos -agrega la directora- agricultura, arte, arquitectura y religión. Además se hace hincapié en los sitios que tuvieron desarrollo dentro de ese período”.

El guión museológico fue elaborado directamente por arqueólogos investigadores que trabajaron directamente en los sitios.

Los servicios

Actualmente el museo cuenta con un equipo de 30 personas, entre el área técnica y administrativa, que forman parte de la Subdirección Nacional de Museos.

Además de las exhibiciones, el recinto cultural tiene una biblioteca de aproximadamente tres mil volúmenes relacionados con arqueología e historia.

Hay una maestra guía que atiende a los estudiantes y extranjeros, con cita previa.

Existe un área de trabajo de conservación, registro y restauración de piezas, la cual fue remodelada con ayuda de la Embajada de Japón en 2005. Además, hay una tienda de libros arqueológicos y diferentes recuerdos sobre el museo.

Otras actividades

Además de las exposiciones permanentes, la institución tiene dos salas para exposiciones temporales que varían una o dos veces al año.

También tiene una política de préstamo de piezas para muestras en el extranjero. Actualmente hay piezas en Japón, Alemania, Francia y acaba de regresar una colección de Suecia.

El museo organiza anualmente el Simposio Nacional de Arqueología, en el cual se ponen en común los descubrimientos y hallazgos de la mayor parte de arqueólogos nacionales y extranjeros que trabajan en el país. Los resultados de la actividad se publican en un libro.

Según Claudia Monzón, los proyectos del museo se planifican anualmente. En el 2007 el mayor cambio visible al público fue la inauguración de la Sala de Clásicos. Para este año los proyectos estarán enfocados para trabajos de escritorio y planificación principalmente en el remozamiento del área etnológica.

*Exhiben desde mañana exposición sobre historia del 'Guernica' de Picasso - TERRAESPANA

El Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Panamá exhibirá desde mañana, jueves, 'Pablo Picasso Guernica.

Historia de un Cuadro', una exposición itinerante que mediante paneles y textos literarios cuenta la creación e historia de esta obra maestra.

El MAC informó de que la exposición, auspiciada por la Cooperación Española y la Embajada de España en Panamá, con motivo de cumplirse los 25 años del 'regreso' del Guernica a Madrid, estará colgada en sus salas hasta el 17 de marzo próximo.

Portátil, de fácil transporte y montaje, la exposición se adapta a cualquier tipo de espacio, tanto interior como exterior, según explicó el Museo, al presentar la muestra.

Concebida por Gonzalo Armero, responsable de una edición del cuadro en la revista Poesía en 1993, la exposición se concentra en 30 paneles en los que se reproducen seis fotografías hechas por la fotógrafa, poetisa y pintora francesa Dora Maar (1907-1997), alias de Theodora Markovic.

También contiene la historia del Guernica, desde que fue encargado al pintor español Pablo Picasso (1881-1973) por el Gobierno de la II República española en 1937, hasta que volvió a Madrid, en 1981, e incluye una reproducción del Guernica de 3,40 x 1,60 metros.

La muestra, que llega a Panamá procedente de Uruguay y luego regresará a Madrid para viajar a Camerún, reúne una selección de los detalles del cuadro ilustrados con textos literarios.

Picasso pintó en 1937 el 'Guernica', su obra más conocida y una de las piezas más relevantes de la historia del arte, que nació de la indignación del artista al conocer el bombardeo de la ciudad vasca de Guernica en abril de 1937 por la aviación alemana durante la Guerra Civil española (1936-39).

La reacción de Picasso fue tan fuerte que le empujó a trabajar febrilmente en este gran mural, convertido en una contundente denuncia de la barbarie de la guerra.

Además de la exposición del Guernica, el MAC exhibirá desde mañana una colección de obras pictóricas donadas por la Cervecería Nacional-Sab Miller.

Estas obras de arte provenientes en su mayoría de las Bienales de Arte en Panamá y de otras colecciones de artistas panameños, pasará a formar parte de la Colección Permanente del Museo.

Esta muestra estará abierta a todo público durante seis semanas, período en el cual se realizarán programas educativos relacionados con las obras con universidades, escuelas privadas y públicas.

El Museo de Arte Contemporáneo de Panamá celebrará en septiembre próximo la octava edición de la Bienal de Arte, el certamen de mayor prestigio que celebra el MAC desde 1992, con el apoyo y patrocinio de la empresa privada, así como de la Embajada de España y la Cooperación Española en los últimos años.

*OQO Editora se convierte en la primera editorial gallega que consigue la 'Mención de Honor' de la Feria de Bologna - TERRAESPANA

'El gran libro de los retratos de animales', del sello gallego 'OQO Editora', ha sido galardonado con una 'Mención de Honor' en la Feria del Libro Infantil de Bologna (Italia), uno de los más importantes galardones del mundo en el campo de la Literatura Infantil y Juvenil. De este modo, se convierte en la primera editorial gallega que consigue esta distinción. El premio será entregado el próximo 31 de marzo en esta ciudad italiana

El libro galardonado está escrito e ilustrado por Svjetlan Junakovic. Editado en tapa dura, se encuentra dentro de la colección OQART. Esta obra ha si editada por el sello pontevedrés en gallego, castellano, inglés, francés y portugués y fue el título con el que OQO Editora inauguró la colección de arte para niños: 'OQART'.

Este importante reconocimiento se suma al Primero Premio al Libro mejor Editado de 2007 en la categoría de Libros Infantiles, que recibió esta misma obra el año pasado, entregada por el ministro de Cultura, César Antonio Molina en la feria LIBER en Barcelona.

El jurado, reunido en Bologna, estuvo formado por Antonio Faeti (Profesor de Literatura Infantil de la Universidad de Bologna, Italia), Dorothée Charles (miembro del Musée des Arts Décoratifs, Paris, Francia) y el diseñador español Manuel Estrada.

El jurado destacó con este premio la poética de la narración visual, la sutileza del sentido del humor y que, a su juicio, hace revisar la historia del arte a través de la 'imaginación y la fantasía' creando 'un museo como ningún otro existió'. Asimismo, resaltaron la 'exquisita elegancia' de cada imagen, la técnica del ilustrador y 'la belleza' de la edición.

El galardón se añade también al concedido por la Fundación Espace Enfants de Suiza a la obra Chocolata, que por primera vez en su historia había recaído en una editorial del Estado. También se suma al Segundo Premio a las Mejores Ilustraciones concedido en el 2006 la otra obra de OQO Editora: 'La princesa que bostezaba a todas horas', ilustrado por Elena Odriozola y escrito por Carmen Gil y al Tercer Premio al Libro Mejor Editado, otorgado a la obra Celestino Locas, en ese incluso año.

A raíz de este premio, la editorial recordó su apuesta por el álbum ilustrado de producción propia, por la existencia de un espacio de creación para autores e ilustradores, 'buscando jóvenes propuestas que recogen diferentes sensibilidades artísticas'.

60 TITULOS EN CINCO IDIOMAS.

Así, OQO Editora incidió en que, como proyecto editorial, apuesta por la calidad en la edición: encuadernación en cartoné e ilustraciones a color, 'buscando que cada libro sea único, diferente'. En los casi tres años de vida, son ya más de 60 títulos los que la editora pontevedresa ha editado en gallego, catalán, castellano, portugués, francés e inglés.

Actualmente, las imágenes originales de 'El gran libro de los retratos de animales' se encuentran expuestas en la Fundación Municipal de Cultura de Gijón, Asturias, después de pasar por Barreiro, Portugal, en la sede de Ilustrarte, y en 'Leer León', la feria de Literatura Infantil de León. Asimismo, el libro protagonizó en el centro de Arte Contemporáneo del Centro Cultural de Belem, en Lisboa, una semana de actividades y talleres plásticos para niños.

*Segunda conferencia sobre historia del arte virreinal mexicano - CANAL10.COM.MX

Se llevó a cabo la segunda conferencia mensual sobre Historia del Arte Virreinal Mexicano, que imparte el Profesor Benjamín Torres Vargas en la Casa de la Cultura, esto gracias al apoyo del Instituto de Cultura del Estado de Durango (ICED) y el Voluntariado Cultural de Durango A.C.

Torres Vargas, habló sobre la Arquitectura Barroca en los siglos XVII y XVIII, inició su participación exponiendo los antecedentes de esta corriente artística y abordó cada una de las facetas de la misma.

Además señaló lo polémica que resulta ser la palabra barroco, definiéndola como algo que no está perfectamente hecho, irregular, asimismo agregó que esta corriente se caracteriza por la abundancia de ornamentos pero con orden.

También destacó que en América, tras la conquista española, el lenguaje del barroco se desarrolló en forma importante enriqueciéndose con la mano de obra y los conceptos propios de la arquitectura, como el uso extensivo de colores brillantes, destacándose en forma especial el barroco mexicano.

Habló sobre las fases de barroco en México, sobre el barroco estípite, el renacentista, salomónico y ejemplificó con fotografías cada uno de los estilos.

Torres Vargas, recalcó la importancia que tiene el barroco en el turismo cultural en México así como el valor del trabajo de los mexicanos e indígenas en la transformación de la Arquitectura barroca en nuestro país.

¿Qué arte? Territorios de incertidumbre - INE.ES - TERRAESPANA

RUBÉN SUÁREZ Qué arte?». Ése es el título de la exposición que Soledad Álvarez y Natalia Tielve han comisariado con motivo del 400.º aniversario de la Universidad de Oviedo. Se completa con un subtítulo-respuesta: «Discurso sin fronteras», porque la exposición reúne la obra de varios interesantes artistas jóvenes, algunos ya consolidados, que parten de discursos conceptuales y cultivan modalidades expresivas diferentes por lo que nos sitúan, se dice en el folleto que acompaña a la muestra, «ante diferentes posicionamientos sobre la identidad, sobre el proceso creativo, sobre lo público y sobre lo íntimo; pero, ante todo, sobre el arte en sí mismo». En el mismo texto se puede leer que «en el arte asturiano, la versatilidad, el mestizaje, lo interdisciplinario y la incertidumbre constituyen los territorios por los que transitan nuestros jóvenes creadores», lo que no digo que no responda a la realidad, pero también es verdad que hay otros caminos no tan carentes de definición y certezas por los que, asimismo, transitan algunos jóvenes creadores asturianos, algunos de ellos incluidos en la exposición, y que dan como fruto «poéticas creativas», como ahora se dice, de inalterable subjetividad y consolidada madurez.

Pero me voy a quedar con eso del «transitar el arte asturiano por caminos de incertidumbre», pidiendo de antemano perdón por tomar el rábano por las hojas por cuanto lo voy a utilizar en otro sentido en el que adquiere quizá mayor transcendencia y significación. Viniendo a lo primero: ¿qué arte? Es decir, ¿de qué hablamos en Asturias cuando hablamos de arte?

Hace ya muchos años, y en el curso de una breve entrevista que mantuve en Arco con el que era por entonces el más famoso galerista del mundo, Leo Castelli, éste me comentó: «¿Quién decide hoy lo que es arte? ¿Acaso yo? Ciertamente, no. Nadie decide lo que es arte: es, sin más. No lo hicieron ni la ininterrumpida sucesión de tendencias que a lo largo del siglo XX pretendieron ser hegemónicas ni tampoco Marcel Duchamp con su ocurrencia al visitar aquella exposición de aeronaves en París: «La pintura ha muerto, ¿quién podría mejorar esta hélice». Era el año de 1912 y aún hoy creen inventar algo quienes lo copian.

¿Nadie decide entonces lo que es arte? En Asturias sí: suele hacerlo la autoridad competente, y de muy diferentes maneras. Por ejemplo, decidiendo sembrar de esculturas-champiñón una ciudad. También, y por su superior criterio, acabando con la ejemplar tradición cultural de una institución que fuera una de las pocas luces-guía para el arte plástico asturiano durante décadas y luego referencia ejemplar por sus importantes exposiciones de creadores regionales, nacionales o internacionales, renunciando a ser «Cajaforum», en su medida, para limitarse a programaciones ocasionales, ajenas o cuando propias a menudo de muy dudoso interés. En otros casos, porque las escasas y cicateras iniciativas de cosmético apoyo al arte y a los artistas asturianos obedecen casi siempre a lo ocasional, a lo acomodaticio, sin criterios rigurosos ni política cultural coherente. Y finalmente porque parece haber renunciado Asturias definitivamente a la posibilidad de crear un centro o museo de arte contemporáneo como Dios manda y en todas las regiones tienen para alojar una colección propia que enriquezca nuestro patrimonio y pueda contar, con las limitaciones que sea, la historia del arte asturiano y español que hemos vivido y estamos viviendo en nuestro tiempo, pero también para dotar a la sociedad, sí, al pueblo, de un espacio para la reflexión y el conocimiento, equipado con los elementos y la metodología necesarios para facilitar las claves que le permitan entender y apreciar el arte contemporáneo y para que nuestros artistas puedan integrarse en él, ampararse en él y enriquecerse con él. ¿Es que no hay «una clara demanda social» para esto? Dudo de que la haya para dedicar grandes recursos a la costosa, visionaria e innecesaria tarea de mostrar caminos de lúdica promoción de nuevas posibles tecnologías en el arte al resto del mundo y teorizar sobre las confusas fórmulas del «arte experimental», para un futuro sin memoria.

Así las cosas, seguiremos viajando no ya a Madrid, Barcelona, Valencia o Bilbao, sino a Vigo, Valladolid, León, Palencia o Vitoria, entre las decenas de destinos posibles a lugares donde en vez de incertidumbres existe la voluntad expresa de crear «un museo del presente», como se anunció el Musac, y buscar ingresos en distintos ámbitos institucionales y privados para programar un plan eficaz de promoción del arte actual, gracias a lo cual podemos disfrutar de sus colecciones o de las excelentes exposiciones que justifican el desplazamiento. En cuanto a los artistas, espero que, como ha sucedido, tengan la suerte de que el dueño de una multinacional del arte o una galerista parisina repare en su obra en Arco, ahora ni eso, un marchante se tropiece con sus creaciones en Miami o ganen algún certamen nacional de prestigio.

Dicho lo anterior, y reiterando las disculpas por tan amplia y supongo que inútil digresión, es muy justo recomendar la visita a la exposición «¿Qué arte? Discursos sin fronteras», que da la oportunidad de mostrar sus obras a varios artistas jóvenes, sólo hasta hoy en el edificio histórico de la Universidad, pero hasta el 23 de marzo en la sala del Banco Herrero, donde hay propuestas de mucha entidad artística, como lo es la pieza verdaderamente excepcional que ilustra estas líneas, titulada «Hoguera» y creada por Mercedes Cano y Antón Sobrino. Pero debemos convencernos de que una respuesta satisfactoria de la sociedad a la pregunta ¿qué arte? pasa por la educación en el arte y desde el principio.

*Una muestra recoge la evolución del arte alavés de finales del siglo XX - TERRAESPANA

La Sala Fundación Caja Vital acoge la muestra 'Dispositivos-Disposiciones', que recopila obras de distintas disciplinas artísticas producidas en Álava durante las dos últimas décadas del siglo XX, con el objetivo de provocar un análisis de una época caracterizada por los cambios políticos.

Una muestra recoge la evolución del arte alavés de

La exposición, que permanecerá abierta hasta el 17 de abril, está enmarcada dentro del proyecto de arte contemporáneo 'Co(n)parada', promovido por la entidad.

A través de pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones, pretende aproximar al público los antagonismos sociales reflejados en las corrientes artísticas más influyentes en el territorio en los ochenta y los noventa.

El objetivo de la muestra es provocar el debate en torno a la cultura de esa época, en la que el arte no escapó a la influencia de los cambios políticos y socio-económicos.

Así, la exposición recopila obras de Juncal Ballestín, Daniel Castillejo, Iñaki Cerrajería, Jorge Girbau, Fernando Illana o Prudencio Irazábal.

El director del proyecto 'Co(n)parada', Fernando Illana, ha explicado en la presentación de la muestra que el punto de partida de las obras son los sucesos del 3 de marzo de 1976, en los que cinco obreros murieron al irrumpir los cuerpos de seguridad en una asamblea de trabajadores.

Según ha indicado, durante las décadas de las que provienen estas obras comenzó 'una nueva manera de entender el arte y su relación con la sociedad'.

También dentro de marco de 'Co(n)parada', se realizarán otras dos actividades paralelas. Por un lado, el 28 de marzo, el artista vitoriano Juan Luis Moraza ofrecerá una conferencia titulada 'Descomposición'.

Junto con ésta, el zaragozano Fernando Sinaga impartirá un taller dirigido a creadores en activo y a alumnos de Arquitectura, Filosofía, Bellas Artes o Historia del Arte.

Con el título 'Neocórtext. La visión alterada', este escultor tratará de transmitir un nuevo concepto de percepción basado en parámetros visuales y en los pensamientos inconscientes e imágenes mentales surgidas de manera involuntaria y que interfieren en la creación artística.

El taller se celebrará entre el 14 y el 18 de abril en la Sala Fundación Caja Vital.

*Simposio internacional en torno a Velázquez

La Fundación Focus reúne del 10 al 12 de marzo a una treintena de expertos en la obra del pintor hispalense - DIARIODESEVILLA.ES

El simposio internacional En torno a Santa Rufina: Velázquez de lo íntimo a lo cortesano contará con la intervención de una treintena de expertos en la obra del pintor hispalense. El simposio, el primero que organiza el Centro de Investigación Diego Velázquez, se celebrará entre los días 10 y 12 del próximo mes en la Iglesia del Hospital de los Venerables de Sevilla, sede de la Fundación Focus-Abengoa, entidad que compró el cuadro Santa Rufina, cedido luego al Ayuntamiento.

Los expertos del panorama nacional e internacional participarán en debates sobre la composición de Santa Rufina, la restauración que ha tenido el lienzo y su comparación con el resto de obras de Velázquez. También se analizará el ideario femenino que el artista sevillano adquirió durante su formación y luego plasmó en sus obras.

Asimismo, se estudiará la iconografía de Santa Rufina, patrona de Sevilla junto a Santa Justa, y se abordará la historia de este cuadro de Velázquez y su paso por diversas colecciones.

El simposio, coordinado por Benito Navarrete Prieto, contará, entre otros, con la participación de Carmen Garrido, jefa del gabinete técnico del Museo del Prado; Peter Cherry, del Departamento de Historia del Arte del Trinity Collage, de Dublín; y Javier Portús, conservador del Museo del Prado. También intervendrán Tom Burns, periodista y escritor; Fernando Marías, de la Universidad Autónoma de Madrid, y Karin Hellwig, del Zentralinstitut für Kunstgeshichte, de Munich (Alemania).

La asistencia a las ponencias será libre hasta completar aforo, y los alumnos de la Universidad Hispalense de Sevilla y de la Universidad Pablo de Olavide podrán convalidar su asistencia a este simposio por créditos de libre configuración.

Las jornadas se celebrarán en paralelo a la exposición que, con el mismo nombre, ocupará la sala principal de exposiciones de la sede de Focus-Abengoa, en el Hospital de los Venerables (barrio de Santa Cruz) y en la que se podrá contemplar la Santa Rufina atribuida a Velázquez.

Los espectadores podrán contemplar otros tres lienzos del pintor, como La Imposición de la casulla de san Ildefonso, Sibila e Infanta Doña María reina de Hungría, los dos últimos cedidos por el Museo del Prado.

*Comparada revisa el arte contemporáneo alavés de los años 80 en una amplia muestra

Casi 40 artistas participan en esta exposición
Este es el primer paso de un proyecto que se alargará durante dos años y que tendrá diferentes vertientes
NOTICIASDEALAVA.COM

Vitoria. A veces es bueno mirar atrás para ver lo que se hizo con ojos actuales y reflexionar sobre evoluciones, cambios y líneas establecidas. Bajo ese prisma, se puso en marcha hace unos meses la plataforma Conparada, un impulso de Fernando Illana con el apoyo de Caja Vital y la colaboración del centro cultural Krea. Porque el presente está relacionado de forma estrecha con el pasado y es el pilar para el futuro, se está llevando a cabo una intensa labor de documentación, recopilación y muestra del arte alavés desde los años 80 hasta casi la actualidad, un trabajo que ha empezado a cristalizar de diferentes formas pero que todavía dará muchos más frutos.

Esta concreción, de cara al público, se va a traducir en dos exposiciones en las que, sin ánimo de hacer una historia de nada, se mostrará al espectador de hoy lo que sus conciudadanos artistas han ido produciendo en las últimas décadas. La primera de estas muestras, que va desde 1982 hasta 1992, se abrió ayer en la sala Fundación Caja Vital y allí permanecerá hasta el próximo 17 de abril bajo el título dispositivos. Disposiciones . La siguiente abarcará lo hecho entre 1993 y 2003.

Además, y de forma paralela, está prevista la realización de talleres, conferencias y actuaciones diversas, al tiempo que se sigue construyendo una base documental sobre el objeto de análisis, y se preparan dos publicaciones que dejarán testigo de todo lo andado en este proyecto impulsado desde el mismo sector creativo alavés.

Mirada En ningún caso, la exposición inaugurada ayer pretende ser una retrospectiva, sino un acercamiento a una nueva época del arte alavés, influenciado tanto por los acontecimientos cercanos como por la apertura al exterior, y la relación que estos creadores y sus obras tuvieron con el contexto social del momento.

Aunque la muestra comienza su recorrido en 1982, sus responsables han querido señalar un hecho anterior como básico a la hora de entender qué pasaba, también en lo creativo, en el territorio. Y es que, como señaló Illana, un acontecimiento como los asesinatos del 3 de marzo de 1976 tuvieron un peso específico. Por ello, aquellos sucesos se rememoran aquí a través de una serie de fotografías de Luis Ziarrusta.

Estos acontecimientos, la actividad de las salas San Prudencio, Amárica y Trayecto, la unión de los creadores para boicotear la Bienal de Pintura del Ayuntamiento de Vitoria y el nacimiento de la Asociación de Artistas Alaveses se sitúan aquí como el marco preciso en el que, tras la dictadura, se empiezan a mover nuevos aires.

De este modo, pintura, escultura, instalación, vídeo, cómic, y fotografía se reparten y se funden a lo largo del recorrido propuesto en el Aula Fundación Caja Vital, mostrando en ocasiones temáticas, técnicas e intenciones que pueden parecer muy distintas pero que, por lo menos, tienen dos cosas en común: la procedencia de sus autores o el territorio en el que residieron y la época en las que fueron materializadas.

"No pretendemos hacer una retrospectiva, ni decir si lo de antes era mejor o peor. Es una mirada desde la actualidad hacia lo que se ha hecho, siendo tan válido como lo de hoy", describió Illana, quien además recordó que "de esto venimos y bebemos".

Desde el primer fancine hecho por Mauro Entrialgo hasta las obras de unos jóvenes Iñaki Cerrajería o Jorge Girbau, la exposición muestra piezas significativas de la labor de casi 40 artistas y colectivos, cuyas creaciones vienen, por ejemplo, de Artium, los fondos de Caja Vital o el Museo Vostell de Malpartida (Cáceres).

Pero el recorrido no es un simple escaparate de lo que fue. Pretende atravesar el cristal para hablar de la cultura pero también de su relación con la política, con los cambios sociales y con las transformaciones económicas, todo ello para observar que, en contra de lo que algunos piensan, arte y ciudadano no están alejados.

Actividades paralelas Está previsto que el proyecto se desarrolle a lo largo de dos años y que su experiencia sirva como referencia para el diseño de Krea. De todas formas, la propuesta no se queda sólo en la apertura de dos exposiciones. Intenta ir más allá.

Así por ejemplo, el escultor Fernando Sinaga, que durante 20 años residió en Gasteiz, será el encargado de dirigir el taller Neocórtex, un intento por verbalizar el proceso del artista de selección y creación a través de una serie de juegos a los que se invita a los participantes en esta experiencia que se llevará a cabo en abril.

Además, el autor Juan Luis Moraza ofrecerá una conferencia el 28 de marzo en la sala Luis de Ajuria con la intención de adentrarse en los mecanismos del arte y su vinculación e incluso aprovechamiento de la realidad de cada época. También el crítico Fernando Castro acudirá a la capital alavesa para ofrecer una charla, aunque todavía se está pendiente de cerrar una fecha.

De todas formas, el trabajo que se ha marcado Conparada es una labor a largo plazo que se irá desarrollando a lo largo de los próximos meses y que también tendrá su influencia en la construcción filosófica de la actividad que, con su nueva sede en marcha, tendrá el centro cultural Krea.

*Diversas intervenciones durante la ceremonia de Inauguración de la Exposición "Isis y La Serpiente Emplumada" - PRESIDENCIA.GOB.MX

Ciudad de México.

"Si recordamos que los pueblos originarios de América fueron durante decenas de miles de años un desarrollo cultural independiente del resto de la humanidad, no es de asombrar que los primeros colonizadores europeos, al presenciar una civilización que les era extraña, buscaran para entenderla un paralelismo con las antiguas culturas orientales". Lic. Alfonso de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.
"Es con la aceptación de la diferencia, más que la semejanza, como se abre la posibilidad de encontrar verdaderos valores y símbolos que puedan apelar a toda la humanidad, pues ellos están asentados en la diversidad que nos caracteriza". Lic. Alfonso de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

"Como usted sabe, esta gran exposición nació en el Fórum Universal de las Culturas de Monterrey, y por ello debo agradecer al Gobierno del Estado de Nuevo León y a su titular, porque haya sido posible también extender esta muestra a la ciudad de México". Lic. Alfonso de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

"En suma, este es el sentido profundo que alienta el proyecto de grandes civilizaciones que promueve el Instituto: establecer un puente entre los pueblos de las más diversas latitudes, para que la cooperación y el desarrollo entre ellos esté asentado en el conocimiento de nuestras respectivas herencias culturales". Lic. Alfonso de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

"Esta reunión es también una prueba de la homogeneidad y el paralelismo que existe entre nuestras dos naciones; de hecho, impresionan las semejanzas de la Pirámide de El Sol y las pirámides de Egipto, considerando que las mismas representan una fuente de inspiración para la humanidad y se asemejan por su inspiración religiosa, y porque inspiraron a sus hijos a alcanzar metas maravillosas". Sr. Farouk Hosny, Ministro de Cultura de la República Árabe de Egipto.

-MODERADOR: Hace uso de la palabra el ciudadano licenciado Alfonso de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

-LIC. ALFONSO DE MARIA Y CAMPOS: Muy buenas noches.

Licenciado Felipe Calderón, Presidente Constitucional de los Estados Unidos Mexicanos; licenciada Margarita Zavala de Calderón; embajadora Patricia Espinosa, Secretaria de Relaciones Exteriores; licenciada Josefina Vázquez Mota, Secretaria de Educación Pública.

Señor Farouk Hosny, Ministro de Cultura de la República Árabe de Egipto; doctor Zahi Hawass, Secretario General del Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto; señor Houssam Eldin Elhefny, Embajador de la República Árabe de Egipto.

Maestro Sergio Vela, distinguidos miembros del presídium, patrocinadores, señoras y señores:

Si recordamos que los pueblos originarios de América fueron durante decenas de miles de años un desarrollo cultural independiente del resto de la humanidad, no es de asombrar que los primeros colonizadores europeos, al presenciar una civilización que les era extraña, buscaran para entenderla un paralelismo con las antiguas culturas orientales.

Pronto la intelectualidad de occidente, especialmente los jesuitas, intentó descubrir símbolos morales y religiosos comunes a todos los pueblos; con ello pretendieron fundar una nueva ecúmene que incluyera, incluso, a vastas comunidades que eran ajenas a las raíces históricas del Viejo Continente.

No es sorprendente, entonces, que la búsqueda por develar una secreta relación entre el antiguo Egipto y las culturas mesoamericanas tuviera una muy temprana data.

Ya Felipe de Guevara, en su célebre Comentarios de la Pintura, escrito durante la primera mitad del Siglo XVI, imaginaba una oculta comunión entre los jeroglíficos y las técnicas clásicas de los habitantes originales de lo que en ese momento se conocía como la Nueva España ya.

Si hoy sabemos que tal correspondencia era tan sólo un espejismo, es gracias al trabajo infatigable realizado por generaciones de arqueólogos e historiadores, muchos de ellos que han trabajado por casi 70 años en el Instituto Nacional de Antropología e Historia y por nuestra contraparte egipcia en el Consejo Supremo de Antigüedades.

Por estas razones, Isis y la Serpiente Emplumada no pretende ocultar o velar los contrastes entre ambas civilizaciones; ni, en un juego de historia comparada, magnificarlos. En cambio, lo que ustedes presenciarán dentro de unos momentos, cuando entren a la salas de este espléndido museo, será el despliegue que mucho tiene de portentoso, de lo que es capaz la creatividad humana cuando se enfrenta a retos, condiciones y tiempos diferentes.

Es con la aceptación de la diferencia, más que la semejanza, como se abre la posibilidad de encontrar verdaderos valores y símbolos que puedan apelar a toda la humanidad, pues ellos están asentados en la diversidad que nos caracteriza.

Dos ciclos míticos, el de Isis y Osiris, por un lado, y el de Quetzalcóatl del antiguo México, fueron la semilla de la cual surgieron dos matrices civilizatorias que produjeron extraordinarias obras de arte, expresión de dos formas distintas de enfrentar ese momento que les tocó en suerte.

Y es porque somos distintos, que los pueblos buscan complementarse a través de mecanismos que propicien el intercambio cultural. Éste es, precisamente, otro de los aspectos de Isis y la Serpiente Emplumada que esta noche quería resaltar entre ustedes.

En marzo de este año, las relaciones diplomáticas entre México y la República Árabe de Egipto cumplen medio siglo, y no creo que exista un mejor marco para iniciar la conmemoración de esta fecha que esta exposición, resumen de algunas de las mejores creaciones que han realizado nuestros pueblos.

Señor Presidente:

Como usted sabe, esta gran exposición nació en el Fórum Universal de las Culturas de Monterrey, y por ello debo agradecer al Gobierno del Estado de Nuevo León y a su titular, porque haya sido posible también extender esta muestra a la ciudad de México.

Asimismo, deseo destacar y agradecer el patrocinio de que ha sido objeto esta magna muestra en nuestra capital, por parte de Fomento Cultural Banamex, la Fundación Televisa, la Fundación Alfredo Harp Helú y también el apoyo de la Fundación Pedro y Elena Hernández.

Merecido agradecimiento y reconocimiento también para los investigadores, arqueólogos, curadores, restauradores, museógrafos y trabajadores de este instituto, por cuyo profesionalismo esta muestra ha sido materializada tanto en Monterrey como en esta ciudad.

En suma, este es el sentido profundo que alienta el proyecto de grandes civilizaciones que promueve el Instituto: establecer un puente entre los pueblos de las más diversas latitudes, para que la cooperación y el desarrollo entre ellos esté asentado en el conocimiento de nuestras respectivas herencias culturales.

Celebremos nuestra amistad compartiendo y valorando nuestro patrimonio.

Muchas gracias.

-MODERADOR: Toma la palabra el señor Farouk Hosny, Ministro de Cultura de la República Árabe de Egipto.

-SR. FAROUK HOSNY: Su Excelencia Presidente Felipe Calderón.

Excelencias, señoras y señores.

Reciban nuestros saludos desde Egipto para México, el gran país cuyas características nos permiten observar el maravilloso paralelismo entre ambas civilizaciones, en donde Egipto y México han sido elegidos como símbolos vivientes de prosperidad y continuidad durante miles de años, dotando al mundo con su profunda historia y que han enriquecido a la civilización a través del tiempo.

Esta es una reunión única entre dos civilizaciones colosales: la civilización egipcia, que representa un puente geográfico e histórico para el mundo y la civilización mexicana, que es una incesante luz brillante que ilumina el hemisferio Occidente.

Esta reunión es también una prueba de la homogeneidad y el paralelismo que existe entre nuestras dos naciones; de hecho, impresionan las semejanzas de la Pirámide de El Sol y las pirámides de Egipto, considerando que las mismas representan una fuente de inspiración para la humanidad y se asemejan por su inspiración religiosa, y porque inspiraron a sus hijos a alcanzar metas maravillosas.

Señor Presidente:

Nos sentimos honrados de estar aquí, ahora, frente a su distinguida presencia y entre las huellas de estas dos civilizaciones inmortales, con el objeto de inaugurar esta exposición, que es muestra de la íntima amistad que existe entre los dos países y que sobrepasa las barreras geográficas existentes entre nuestras naciones.

Gracias por escucharnos y permitirles brindar a su Excelencia y al público que nos honra con su presencia nuestros mejores deseos y calurosos saludos.

*China. El arte que llega - ELCULTURAL.ES

No hay ninguna duda: críticos, galeristas, comisarios, coleccionistas e incluso artistas, miran hacia China. El mercado chino vive un momento de esplendor del que se hacen eco instituciones occidentales de la más diversa índole. El mundo de las subastas recauda ya más con artistas chinos que con algunos clásicos y los nombres más conocidos ya empiezan a sonarnos. Pero para la gran mayoría, China y su arte contemporáneo aún está lejos. Estos días coinciden algunas interesantes revisiones de lo que allí se realiza: Rojo aparte. Arte chino de la colección Sigg en la Fundación Miró de Barcelona y The Real Thing: arte contemporáneo de China en el IVAM valenciano. Jaume Vidal Oliveras ha pasado por ambas sedes y nos acerca aquí lo mejor de los artistas chinos del momento.

Coinciden tres grandes exposiciones que representan tres aproximaciones muy diferentes al arte chino contemporáneo. La primera en inaugurarse fue una de fotografía, Zhù Yì (“Atención”), que, presentada en Artium, ahora puede verse en el Palau de la Virreina de Barcelona y de la que ya se habló en estas mismas páginas. A principios de febrero se abrió en el IVAM de Valencia la muestra The Real Thing (aunque el título expresa un juego de palabras, literalmente se traduce como “lo auténtico”). Y, finalmente, acaba de presentarse Rojo aparte, en la Fundación Joan Miró de Barcelona. Al margen de estas propuestas institucionales, se han de considerar también algunas galerías privadas especializadas en arte chino contemporáneo, como el Espace Cultural Ample de Barcelona, que exhibe en estos momentos a los fotógrafos Cang Xin y Li Wei, presentes en la muestra de la Zhù Yì, o la galería Dolores de Sierra de Madrid con una muestra de Xia Xiaowan.

No deja de ser sintomática esta eclosión, tan de repente, del arte chino contemporáneo. En ello concurren muchos y variados aspectos. El exotismo (o, si se quiere, la atracción por lo Otro), las expectativas que inspira este gran país ante los cambios sociales y políticos en curso, el arte como moneda de cambio en las transacciones comerciales con los países occidentales… Igualmente el mercado: la necesidad de ampliar el mercado del arte por una razón de supervivencia. Se ha dicho que China ha suplantado a Francia en el tercer puesto del ranking mundial del mercado arte y que el arte contemporáneo chino se ha revalorizado hasta un 400%. Lo que sorprende es que este proceso se haya realizado de una manera tan rápida. Pero hay algo más: a pesar del interés que ha suscitado, por ejemplo, el arte árabe, éste no ha tenido una proyección equiparable. Siempre se podrá aludir que las condiciones sociales y económicas no son las mismas, pero está claro que el arte está y ha estado siempre vinculado al poder. El expresionismo abstracto americano se impuso tras la Segunda Guerra, entre otras cosas porque Estados Unidos fue el país vencedor. La presencia del arte chino en bienales, museos y galerías hace intuir la potencia que se avecina…

Las exposiciones que nos proponemos comentar, Rojo aparte y The Real Thing, expresan posiciones divergentes. La primera es una versión reducida y desdramatizada de la exposición Mahjong, itinerante por diferentes museos europeos. Se trata de una selección de la colección privada más importante de arte contemporáneo chino, la de Uli Sigg. Diplomático y empresario suizo, vicepresidente de la primera empresa mixta entre occidente y el país oriental, empezó a interesarse por el arte contemporáneo chino cuando estaba completamente descuidado e ignorado, como una manera de comprender el país. Él mismo señala que su colección no sigue unos gustos personales sino que busca –en sustitución de las instituciones– reflejar la realidad artística de China. Y aunque las adquisiciones se iniciaron a principios de los noventa, la colección Sigg abarca un arco temporal que se sitúa entre los años ochenta y el presente.

Y, sin embargo, ¿son verosímiles las declaraciones de Sigg? Se trate o no de su gusto personal, la pretensión de realizar una colección institucional, de articular una narración o historia que explique la creación contemporánea china expresa el punto de vista de un hombre occidental. La búsqueda de lo original, de lo auténtico, o simplemente la “esencia”, refleja la mirada del extranjero que se dirige a lo Diferente. La selección es reveladora: en ella hay una búsqueda, aunque sea inconsciente, de unos referentes propiamente chinos y que muchas veces no son sino la confirmación de ciertos estereotipos occidentales de la “chinitud”. Ya sea el realismo socialista, ya la tradición milenaria de la cultura china, en muchas de las obras hay una suerte de diálogo con la historia, que en las piezas contemporáneas se traduce en forma de cita o ironía. Acaso se hubiera podido escoger otra pieza más significativa para ilustrar este texto, pero la serie de Liu Zheng, Las cuatro estaciones, viene al caso porque se trata de una relectura de un episodio –entre la leyenda y la literatura– de la historia milenaria china.

Puede que algunos artistas coincidan en una y otra exposición, pero la propuesta de The Real Thing es completamente opuesta. Versión reducida de la exposición organizada por la Tate de Liverpool, a grandes rasgos se trata de una selección de piezas –algunas de ellas realizadas por encargo– de carácter conceptual, realizadas a partir de 2000, esto es, arte emergente. Entre las obras que me han interesado citaría el vídeo de Cao Fei De quién es la utopía. Qué haces aquí o la dramática instalación de Yang Fudong Al este de la aldea Que. Ahora bien, lo que interesa señalar es que, aparte de reunir piezas notables, la exposición se sitúa al margen de cualquier noción de “esencia” y –tal vez– de un argumento o nexo entre las obras. Y es que, según sus comisarios –como ha declarado el mismo Simon Groom–, no existe, entre los artistas jóvenes, una preocupación por lo chino en cuanto “esencia”. Él cita precisamente al coleccionista Uli Sigg, el cual hizo una encuesta entre sus artistas en la que les formulaba la siguiente pregunta: “Chinitud: ¿existe tal cosa?”. La respuesta del artista Xul Zhen (que presenta en Valencia la obra 8.848 menos 1,86, la medida del Everest menos el trozo que el mismo cortó) es simétrica, imposible de contestar: “¿Cómo ser ‘suizo’ afecta a Sigg en sus prácticas de coleccionista?”. En este sentido, la exposición de The Real Thing se desvincula de las narrativas tradicionales y de la búsqueda de referentes –como es la de Sigg–. Por supuesto que refleja una realidad china, porque son chinos los protagonistas, pero en el fondo las problemáticas que plantean las obras son otras: básicamente, se trata de cuestiones relacionadas con la percepción, el universo conceptual… Éste es el verdadero argumento de la muestra, y por esta misma razón, las obras que se presentan son indiferentes a la tradición o el territorio. Es la aldea global. Y sin embargo también expresan –ni más ni menos que Sigg– el punto de vista occidental, o mejor dicho, el imperialismo y aculturación occidental. La problemática de Sigg, la de las esencias, es romántica. La de The Real Thing es un planteamiento más actual: implica la globalización, la uniformización de los lenguajes y los procesos del arte. Éste, me temo, es el arte que viene… JAUME VIDAL OLIVERAS

*El español Sánchez Vidal gana el premio Primavera con una novela que ensalza la cultura inca - TERRA.ES

El escritor español Agustín Sánchez Vidal obtuvo hoy el Premio Primavera de Novela con su obra 'Nudo de sangre', una novela histórica y de aventuras situada en el Perú colonial, que recrea con maestría la sabiduría de aquel gran imperio.

El español sánchez vidal gana el premio primavera

En la misma edición del Premio Primavera, dotado con 200.000 euros (más de 300.000 dólares) para la obra ganadora, quedó finalista el periodista y escritor español Luis del Val con su novela 'Crucero de otoño', una obra coral y cosmopolita que encierra a sus personajes en un crucero por el Mediterráneo para 'reflejar la hipocresía y el cinismo que inunda la sociedad occidental'.

Las líneas generales de ambas obras han sido explicadas hoy por el crítico literario Ángel Basanta en un encuentro con la prensa en el que, por primera vez en la historia de este premio que convoca Espasa Calpe y Ámbito Cultural, han estado presentes los galardonados.

'Son dos novelas muy interesantes y muy diferentes', aseguró Basanta, miembro del jurado del que han formado también parte Antonio Soler, Ramón Pernas, Ana Rosa Semprún y Myriam Galaz, como secretaria sin voto. La presidenta, Ana María Matute, no ha podido asistir al fallo del premio por problemas de salud.

Para Basanta 'el gran mérito de 'Nudo de sangre' es que mezcla extraordinariamente cultura e historia en una trama muy bien urdida. Lo que empieza siendo una novela histórica y de aventuras acaba superando las limitaciones de ambos géneros para terminar en una historia de amor a la cultura de los incas'.

Sánchez Vidal tiene más de cincuenta libros en su haber sobre literatura, arte y cine, y 'Nudo de sangre' es su segunda novela, tras 'La llave maestra' que publicó en 2005.

Hoy, visiblemente contento, contó que 'Nudo de sangre' 'se puede leer como una novela de aventuras de pleno derecho', pero los lectores que quieran ir más allá se encontrarán con la experiencia que él tuvo cuando hace ocho años fue a Perú y descubrió 'aquel paisaje y aquella cultura extraordinaria, y el poso que ha dejado en la nuestra'.

'Es una auténtica novela de amor a la cultura inca y a cómo se puede conseguir una cultura tan extraordinaria sin escritura', afirmó el ganador, catedrático de Historia del Arte en la Universidad de Zaragoza.

En palabras de Basanta, la novela ganadora cuenta 'una larga historia' que se desarrolla en dos períodos separados por 200 años. La primera parte transcurre en el siglo XVI y recrea los últimos años del Imperio Inca, mientras permanecieron encerrados en la ciudad secreta de Vilcabamba 'para mantener la libertad y las características de su cultura'.

La segunda parte traslada al lector al siglo XVIII, a la época de la expulsión de los jesuitas, y tiene como protagonistas a un ingeniero militar español, descendiente de los jesuitas que estuvieron en Cuzco, y a 'una bella mestiza indígena descendiente de la familia del linaje real de los incas'.

Luis del Val combina su labor como periodista en la cadena de radio privada española Ser con su actividad como escritor, que le ha valido premios como el Gijón de Novela, que logró en 1987 con 'Buenos días, señor ministro', o el Ateneo, con 'Las amigas imperfectas'.

En la novela finalista del Premio Espasa (dotada con 30.000 euros) la intriga, el espionaje, el amor y el lujo se dan cita en un crucero por el Mediterráneo, en el que el autor consigue 'aislar a una serie de personajes que encarnan conflictos y situaciones de nuestro tiempo', señaló Ángel Basanta.

Del Val es muy aficionado a los cruceros y, de hecho, como contó hoy, cada año suele hacer uno por la costa turca próxima a Grecia.

'Crucero de otoño', insistió hoy, 'es pura ficción', y en ella hay desde empresarios que se hacen millonarios con el tráfico de drogas y sus esposas, que presiden fundaciones antidrogas, hasta espías retirados, matones y prostitutas.

'Es una novela muy cosmopolita porque se habla de Nueva York, Boston, Jerez, Sevilla...', comentó Del Val.

A la XII edición del Premio Primavera se presentaron un total de 254 originales procedentes de 22 países, catorce de ellos países de América Latina.

México, con 11 novelas, y Argentina, con 10, figuran entre los países que más originales presentaron, tras España, con 125. También se recibieron 6 de Estados Unidos, 5 de Colombia y 4 de Brasil.

*Xosé García Albeos, un estilo pictórico con claves propias - R. G.- ABC.ES

A CORUÑA. Trinta e dúas son as obras pictóricas que este artista vigués, Xosé García Albeos, amosa na sala de exposicións do Pazo Municipal de A Coruña, situado na Praza de María Pita. «A súa obra desemboca nun realismo cheo de calidade e matices, e os seus lenzos estáno consagrando como un dos máis destacados pintores galegos dentro desta tendencia», escribe Marta Méndez, licenciada en Historia da Arte e autora do texto do catálogo da devandita mostra.

Destacan na temática desta exposición como elementos dominantes o mar mailos paisaxes da cidade de A Coruña e os seus arredores, dos cales o pintor é un fiel admirador. A constancia, tenacidade, capacidade de traballo, coherencia e o seu peculiar e único modo de facer no oficio de pintor paisaxista, plásmase nestas 32 últimas obras do autor, onde se aprecia de modo aínda máis patente a consolidación dun estilo con claves propias, moi persoal e profundamente sinceiro: isto conleva que as súas pinturas teñan un selo propio e, polo tanto, que sexan cada vez máis inconfundibles.

Un artista galego

As súas paisaxes son, en primeiro lugar, creadas por un artista galego, que ama a Galicia e que xa non pode dar marcha atrás porque se sinte atrapado pola maxia e beleza que encerra a paisaxe galega. Xa sendo meniño viviu no ambiente profundamente rural de Albeos (Creciente), unha pequena aldea bañada polo seu amado Río Miño. Dela apropiouse para o seu seudónimo artístico.

Atopámonos, deste xeito, ante un pintor pasmado polos variados rincóns mariños, montes, regatos, bosques, campiñas, fragas, atmósferas, brumas e néboas do país, Galicia, porque Xosé García Albeos busca, elixe e atopa os temas para ser levados ao lenzo, facéndoo con esmero, adicación, e, sobor de todo, moita paixón.

O dominio do debuxo e a composición son evidentes e están presentes en calquera das obras presentadas, pero tamén o bo oficio co pincel (en exposicións anteriores amosou unha gran maestría pintando coa espátula). Pero hai máis, é admirable a súa sobriedade no traballo coa cor, empregando gamas cromáticas neutras, grises, cores terciarias tan abundantes na natureza e paisaxe galega.

Manifesta Xosé que sigue firme na súa loita por acadar a súa ansiada meta pictórica: «ser un digno pintor paisaxista galego». No texto do catálogo da exposición «Encontros», realizada na Casa Galega da Cultura (xuño do pasado ano 2007), Lalo Vázquez Gil (cronista oficial da cidade de Vigo) escribía: «Xosé García Albeos enche a súa obra dun aura poética imaxe da súa personalidade. Métanse dentro das súas paisaxes, García Albeos dará moito que falar no futuro da súa historia artística».

*El pintor burgalés José María González Cuasante, premio Castilla y León de las Artes 2007 - TERRAESPANA

El pintor burgalés José María González Cuasante fue galardonada hoy con el premio Castilla y León del Deporte 2007, según decidió por unanimidad el jurado, que emitió su fallo hoy en Valladolid.

Los miembros del jurado valoraron de González Cuasante su 'coherente y personal trayectoria artística encuadrada en el nuevo realismo surgido en España a partir de los años 70' así como 'su destacada y dilatada actividad docente e investigadora en el campo del color'.

En este sentido el jurado, presidido por el catedrático de Bellas Artes José Sánchez-Carralero, y formado por el director del Museo Histórico Provincial de Burgos, Juan Carlos Elorza; el pintor y premio Castilla y León 2006, José María Mezquita Gullón; la profesora titular de Historia del Arte de la Universidad de Salamanca, María Teresa Paliza; el director del Musac, Rafael Doctor, y el director de Televisión Castilla y León, Florencio Carrera, resaltó que la pintura del galardonado está 'imbricada' desde la fotografía, lo que permite denominarla 'fotorealismo', 'aunque desde el pálpito y factura pictórica, no exento de connotaciones próximas al movimiento del realismo Pop, más americano que europeo'.

Asimismo el presidente del jurado, quien destacó el 'excelente nivel' de las candidaturas presentadas, mayoritarias de artistas vinculadas con la pintura y la escultura, destacó la importancia de las investigaciones realizadas por González Cuasante en el mundo del color así como de sus creaciones, enmarcadas en la década de los 70, en los albores de la abstracción, 'fenómeno pendular' del que nació un fenómeno de realismo 'bastante fuerte'.

Sánchez-Carralero resaltó, además, que las creaciones de González Cuasante tienen una gran conexión con el mundo americano de la época, es decir con el mundo cotidiano y del consumo así como su capacidad cromática, a la que se suma 'cierto iluminismo'.

Tras subrayar que sus obras se han exhibido en distintos países del mundo, el presidente del jurado aseguró que, pese a vivir en Madrid, el galardonado 'nunca abandonó' Castilla y León, región de la que 'ha hecho patria' desde la capital de España, por lo que es 'justo' que se le reconozca con el premio ya que cuenta con 'mérito' para formar parte del plantel de galardonados.

SU BIOGRAFÍA.

José María González Cuasante nació en Fresno de la Losa (Burgos) y es licenciado en Filosofía y Letras y en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Doctor y Catedrático de Bellas Artes en esta Universidad.

En 1982 obtuvo la Beca de la Fundación Juan March para realizar estudios en el extranjero pero, previamente, en 1980, recibió el Segundo Premio Internacional de Dibujo de Nuremberg y en 1981 el Primer Premio de Pintura Ciudad de Burgos.

González Cuasante ha desarrollado una actividad docente y académica a través del desempeño de diferentes cargos, entre ellos el de decano de la Facultad de Bellas Artes, y ha dirigido numerosas tesis doctorales, pronunciado conferencias y publicado numerosos libros y artículos.

'Su obra se inscribe en la figuración postimpresionista, profundizando en la percepción del paisaje cotidiano, desde la perspectiva de Bonnard, a través de la saturación del color y las sutiles vibraciones del claroscuro', destacaron fuentes de la Consejería de Cultura, que añadieron que la temática de su pintura se integra en la vida diaria observada desde una premisa irónica y un análisis frío que entronca con artistas como Wesselman, Hamilton, Warhol o Linchestein.

González Cuasante ha realizado 63 exposiciones individuales y más de 120 colectivas en países como Italia, Francia, Brasil, Estados Unidos, Inglaterra, Corea y Portugal y su obra figura ya en 25 museos y grandes colecciones como el IVAM, al Chase Manhattan Bank de Nueva York o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Los galardonados hasta el momento con el Premio Castilla y León de las Artes son Juan Manuel Díaz Caneja, Baltasar Lobo y Antonio Baciero, Cristóbal Halffter, José Vela Zanetti, Antonio Fernández Alba, Francisco Regueiro, Luis Sáez, José Núñez Larraz, Las Edades del Hombre, Comunidad Benedictina de Santo Domingo de Silos, Claudio Prieto, José Sánchez-Carralero López, Antonio Giménez-Rico, Esteban Vicente, Modesto Ciruelos González, Dúo Frechilla Zuloaga, Cristóbal Gabarrón, Venancio Blanco Martín, José María García Fernández 'Castilviejo', Ana Jiménez López, Fernando Urdiales Alaiz, Amancio Prada y José María Mezquita Gullón.

Los premios Castilla y León 2007, que abarcan las modalidades de Investigación Científica y Técnica; Artes; Letras; Ciencias Sociales y Humanidades; Protección del Medio Ambiente; Valores Humanos; Restauración y Conservación del Patrimonio y Deporte están dotados con 18.500 euros.


GOOGLE NOTICIAS

 

 

OTRAS NOTICIAS IMPORTANTES

Noticias de Recursos Didácticos

 

Noticias de Cultura Española

 

Noticias de Literatura Española

 

Noticias de Lengua Castellana
 
Noticias de Hispania
 
Noticias de Deportes
 
Noticias de Arte e Historia

 

Noticias del Patrimonio Mundial de la Humanidad
 
Noticias de Gastronomía
 
Noticias del Idioma Español
 
Noticias de Poetas y Autores
 
Noticias del Mundo Hispano
 
Noticias de Economía
 
Noticias de Recursos Didácticos
 
Noticias de Ciencia y Tecnología
 
Noticias de Espectáculos
 

 

     
 
Búsqueda personalizada
 

                                               Principal | Arriba | Periódicos latinos | Noticias de Hispania Noticias del idioma español Noticias de lengua castellana | Noticias de literatura española Noticias de cultura española |  Noticias de arte e historia |  Noticias del patrimonio mundial | Noticias de gastronomía Noticias de poetas y autores Noticias del mundo hispano Noticias de economíaNoticias de recursos didácticos gratis | Noticias de ciencia y tecnología Noticias de espectáculosNoticias de cine Noticias de deportes